Pioneras del R&B (Grupos)

¿Por qué los 90 del siglo XX siempre se veneran como "la mejor época del R&B"?

¿Es cierto que hubo UN estilo que marcó historia?

La verdad, es que se veneran porqué fue el inicio del R&B como un estilo propio de verdad, moderno, que no fuera un simple "Pop de negros" o "Pop cantado por negros", con unas estructuras claras como las tuvo el Rhythm'n'Blues clásico, pero modernizadas y que tomaron elementos de estilos contemporáneos como el Hi-Hop, la música electrónica (House, Drum'n'Bass, Pop realizado con sintetizadores...) y el Rap.

Se veneran porqué durante esa época abundaron tanto los solistas como los grupos de todo tipo que marcaron unas pautas que luego se hicieron universales, del mismo modo que los grupos vocales de finales de los 50 y de los 60 establecieron ciertas reglas del juego. Fue una buena época a nivel de la industria: Los sellos se podían permitir crecer, lanzar nuevos artistas, se vendían bien los discos... pero además fue un período histórico ambiguo que permitió una gran versatilidad de estilos musicales que se iban esparciendo a nivel mundial.

Los 90 fueron aquellos años menos desenfadados que los 80, pero en los que las sociedades occidentales se creían "liberadas", con un futuro prometedor, y a la vez, para algunos sectores de esa población occidental, seguía habiendo una necesidad de reivindicarse. En especial, para los afro-americanos, que seguían encasillados en ghettos, que se seguían retratando de manera marginal en los grandes medios y mundo del entretenimiento en general, a excepción de algunos modelos que venían de los ochenta (shows como La hora de Bill Cosby, cantantes como Whitney Houston, Janet o Lionel Ritchie) completamente aceptados por la mayoría blanca del país. Fue la época del grunge, pero también la del resurgir de cierto Pop-Bubblegum y muchos estilos electrónicos como el House, el Dance o el Techno. Músicas para divagar, músicas para denunciar, músicas para expresar estados depresivos... la complejidad que reflejaba la sociedad a la que los 80 habían conducido, junto con los avances tecnológicos (que ahora nos parecen cutres, pero en la época fueron grandes progresos), se traducía en el mundo de la música.

Así que, respondiendo a la segunda pregunta, NO, el R&B no fue homogéneo, los 90 no fueron un único bloque a nivel musical.

Existe un R&B que evoluciona de finales de los 80, dónde encontramos el género del momento: El New Jack Swing, y un Hip-Hop de la llamada "New School" con un auge del "Gangsta Rap" y existe un primer R&B en el que el New Jack Swing ya se va diluyendo y mezclando más con el Soul, el Hip-Hop que seguía evolucionando y el mismo Pop (más electrónico) del momento. Son 2 fases completamente diferentes, pero una es el resultado de la otra (que es una fase de transición). 

Luego está el estilo que empieza a desarrollarse allí por 1995, dónde el estilo vocal del Soul va tomando más presencia (nace también el Nu Soul) y se mezcla con unos ritmos más depurados que el New Jack Swing, pero marcados y tomados del Hip-Hop (a veces, un instrumental podía servir para cualquiera de los dos estilos: Hip-Hop o R&B), mientras se empieza a experimentar con sonidos de todo tipo (como cuando se puso de moda usar instrumentos que imitaban los del Barroco, un ejemplo lo tenemos en Shek'spere y producciones suyas como Bills,Bills,Bills o cuando se empezaron a usar samples de instrumentos de cuerda clásico tipo violines, o directamente samples de piezas de música romántica y/o barroca). Este estilo tuvo su explosión final entre 1997 y 1999, y ya luego, dejamos la década con otra evolución de estos géneros.

Hay variedad de sub-géneros o sub-estilos, pero las tres fases del R&B de los 90, yo las veo bastante claras. Muchas veces, queremos asociar a los artistas un único estilo, cuando la verdad es que estos artistas (solistas y grupos) pasaron por varias de estas fases o las tres. 

Hoy quiero hablaros aquí de algunos grupos femeninos que fueron pioneros en esto de modernizar el R&B del todo. La mayoría, pertenecen a esta segunda fase, más de los 90 (1992-1995), pero algunos empezaron a beber antes de lo que se hacía a finales de los 80.

Chicos primero

Bell Biv DeVoe

El título os puede engañar un poco: Hoy no hablaré en sí de grupos masculinos. Pero si vamos a hablar de chicas, os debo decir que durante los 80 sí que hubo un resurgir de las boybands (todo eso que se inició a finales de los 50, algún día también os hablaré del tema) y éstas participaron de esta evolución de un Rhythm'n'Blues caduco o anclado en el Disco-Funk, llevándonos a la explosión del New Jack Swing.

Para los que habéis leído mi entrada sobre Whitney, el grupo al que perteneció Bobby Brown, también participó de ésto (New Edition). Los chicos no estaban de moda como lo podrían estar más tarde, pero empezaban a llamar a la puerta.

No podemos comprender el auge de las boybands de Pop y de R&B de los 90 si ignoramos que en los 80 existieron New Edition, New Kids On The Block y otros como Bell Biv DeVoe (vale, se crearon en el 89 y eran una escisión de New Edition, pero fueron cabeza visible del New Jack Swing), Menudo (sí, muy anclados al sector discográfico latino, pero fueron un maldito fenómeno que sí tuvo sus repercusiones a nivel de Pop mundial), y Boyz II Men, quiénes a pesar de no triunfar hasta la década de los 90, empezaron como grupo en 1985 bajo el nombre de Unique Attraction.

En una era liderada por Michael Jackson (más Pop que R&B o Soul, pero siempre lo toman de referente), Whitney Houston y Janet Jackson (sí, y Anita Baker, Lionel Ritchie, Bobby Brown y algunos más) a nivel de R&B que llega a un público más general, los primeros grupos en causar sensación fueron los de chicos.


Hacia una nueva era

KLYMAXX

El máximo problema (o barrera) con el que se encontraban los grupos femeninos del momento era que se creía que su era dorada ya pasó. Ya tuvimos la ola de los 50 (Spector, etc.), el auge Motown/Stax (los 60), y todo lo de los 70 fue fiebre Philadephia Sound y Disco, todo muy efímero, todo siempre con resultado de "vocalista deja el grupo para ir en solitario", pocas veces perduraban los grupos de chicas y en los 80, ninguno destacó lo suficiente para marcar una época. En la música Pop encontramos algunos que sí marcaron un poco de "moda" como grupo británico BANANARAMA o el trío Exposé (1984, en 1986 cambiaron a todas sus componentes, este grupo sí que coqueteó más con un sonido R&B de la época), el trío Seduction (otro grupo con estilos de House, Dance, etc. que quedaría más cercano al R&B), el trío Sweet Sensation (otro grupo de música de club), Cover Girls, KLYMAXX, o Company B.

Vanity 6

Mary Jane Girls

Si tenemos que nombrar grupos que despuntaron algo (a pesar de que no crearon escuela), entonces nos quedamos con nombres como The Pointer Sisters (I'm So Excited, Jump, Neutron Dance), Sister Sledge (empezaron en los 70, tuvieron un éxito en 1985 con el tema Frankie), Mary Jane Girls o Vanity 6 (grupo creado por Prince).

Salt'n'Pepa

Pero el grupo que traspasaría la barrera y se asentaría como base de los pioneros de los 90, fue Salt'n'Pepa. 

Estamos hablando de un grupo de rap, pero que inevitablemente influenció a los grupos femeninos vocales de los 90, gracias a su manera de producir su música, el mensaje de sus letras y el modo en el que se presentaban en un terreno completamente dominado por los hombres, que las llevaron a tener éxito comercial.

Las Salt'n'Pepa empezaron en 1985, con Cheryl "Salt" James, Sandra "Pepa" Denton y Latoya Hanson como DJ . El trío, se llamaba entonces Super Nature y lanzó el single titulado The Showstopper que era una "canción-respuesta" (answer song, algo muy típico del rap/hip-hop cuando se crean rivalidades o alguien quiere retar a un artista) al tema de Doug E. Fresh, The Show. El tema, producido por Hurby Azor, contenía parte de la melodía de un tema utilizado en la película Revenge of the Nerds. El tema se convirtió en un pequeño hit de R&B, gracias al apoyo que tuvo de una emisora de rap de la ciudad de Nueva York.

El éxito de este tema, les llevó a firmar un contrato con el sello independiente Next Plateau Records  y al poco, Latoya Hanson dejó el grupo. El grupo había cambiado su nombre por Salt'n'Pepa, que tomaron de uno de los versos de su hit, en el cual se referían a ellas mismas con ese nombre (significa "la sal y la pimienta", una metáfora de ser lo que da sabor a una cosa). Hanson fue sustituida por la DJ Deidra "Spinderella" Roper, y entonces el grupo empezó a trabajar en su primer álbum. Lanzaron Hot, Cool & Vicious en 1986, del que sacaron hits menores como My Mic Sound Nice, Tramp o Chick On The Side, Pero fue una remezcla de un DJ de San Francisco, Cameron Paul, de la cara B del single Tramp, el tema Push It, lo que las catapultó al éxito.

Push It logró ser número 19 en EEUU y número 2 en el Reino Unido, siendo su primer single en lograr ser disco de platino y hacer que el álbum alcanzara ese estatus, además de ser nominado para los Grammy. Push It es el tema que puso a Salt'n'Pepa en el mapa, como primer grupo femenino de rap en alcanzar el oro (y el platino) en ventas, pero también en captar la atención de muchas mujeres y feministas que repudiaban la música rap por estar dominada por un sector muy machista y por artistas masculinos. Además de que ellas se presentaban como unas mujeres fuertes, liberales, y que usaban el sexo como arma pero sin mostrarse como "mujeres objeto", todo lo contrario de lo que se mostraba en los vídeos de muchos artistas de rap.

Sus siguientes dos álbumes, les continuarían produciendo éxitos como Shake Your Thang, Twist and Shout (ambos temas del A Salt with a Deadly Pepa de 1988), Expression, Do You Want Me o el que se regeneró como himno para la prevención del SIDA: Let's Talk About Sex (Let's Talk About AIDS, estos últimos temas son del álbum Blacks' Magic de 1990). Salt'n'Pepa logró crecer y evolucionar, adaptándose al cambio de década y a los nuevos tiempos, llegando al año 1993, cuando nos encontramos con su mayor éxito comercial (aunque fuertemente criticado, por algunos puristas), el álbum Very Necessary que es, a pesar de ser un álbum de rap, un claro referente para el R&B de esa "segunda fase" y los grupos vocales que se consideran pioneros de los 90.

Very Necessary es un álbum cuyos temas incorporan ese nuevo sonido que va fusionando estilos, en el que elementos del Soul y el R&B tienen una fuerte presencia, pero es además el tema en el que el matrimonio entre el Hip-Hop y el R&B, exclusivamente formado por chicas, se hizo realidad con el hit Whatta Man en el que colaboró EnVogue (pronto llegaremos a ellas). Estamos hablando del año 1993, justo en plena "segunda fase" de este nuevo modo de hacer R&B, y de un álbum que se siguió promocionando hasta 1995, cuando recibieron el Grammy a mejor interpretación de rap por su single None Of Your Bussiness. Logrando ser las primeras mujeres en obtener ese galardón. El Very Necessary fue también el primer álbum de una artista rap femenina en alcanzar el estado de multi-platino (sigue siendo el mejor álbum de artista femenina de rap a nivel de ventas).

Last Salt'n'Pepa son leyendas (tanto que fueron incluidas homenajeadas en los VH1's Hip-Hop Honors, en 2005) y todavía no ha salido un grupo femenino de rap que se le asome, en lo más mínimo, además de considerarse uno de los claros referentes para los grupos vocales femeninos que vinieron después. Su imagen, su sonido y su actitud fueron los máximos referentes para pioneras como TLC, pero luego han seguido perdurando a través del tiempo. Por ejemplo, el grupo vocal (y de rap) británico Stooshe, tienen claras influencias de la época que representó Salt'n'Pepa (y del mismo grupo, hasta hicieron una nueva versión de Whatta Man), no solo en su modo de rapear, también en su imagen que bebe directamente de la suya de finales de los 80, inicios de los 90.

Para los quisquillosos:

Podemos tomar también como referente (aunque menor) al grupo JJ FAD. No me voy a enrollar demasiado, el grupo perdió componentes por el camino (pasó de quinteto a duo, luego añadieron a una chica nueva), pero es para tenerlo en cuenta al ser el primer grupo femenino de rap que tuvo fue nominado para un Grammy (el grupo se creó en 1985, igual que Salt'n'Pepa) y que formaban parte de Ruthless Records (el sello que creó Eazy-E, de N.W.A., con su dinero, aunque la idea fue de Dr. Dre). Aunque tuvieron dos álbumes de estudio (Supersonic de 1988 y Not Just A Fad de 1991), el éxito que más se recuerda de ellas pertenece a su álbum debut: el single Supersonic (del álbum con el mismo nombre). Aunque no aparecen en la película sobre los N.W.A. (Straight Outta Compton, muy recomendable de ver), algunos medios del momento consideraron que el éxito comercial del grupo (con su primer álbum, por tener una música con influencias de otros géneros como la electrónica) abrió un poco el camino para que N.W.A. fuera un poco más allá y trascendiera a una audiencia más general.

Las Pioneras

EnVogue

La semilla la puso el rap y algunos grupos que apenas tuvieron repercusión (pero sí marcaron un pequeño precedente), pero lo que más impulsó a que de nuevo viéramos grupos de chicas en la escena R&B fue la intención de algunos productores, más que otra cosa.

No es que algunos de estos grupos no se formaran por sí solos, pero hay que admitir que si lograron llegar a un estudio de grabación profesional (con contrato, no para hacer maquetas), era porqué la explosión del New Jack Swing y el éxito de gente como Whitney, Janet o Salt'n'Pepa, propiciaba las intenciones de lograr crear una fórmula perfecta que funcionara con los grupos de chicas. Aquello que lograban grupos como Boyz II Men o Blackstreet (1992),  empezaba a inspirar a los productores del género a probar suerte con las chicas.

Es así como se formó el primer grupo referente: EnVogue, de quién os quiero hablar un poco, pero de quién ya os hablé hace unos años (y siguen con su drama en la actualidad, con temas de derechos y polladas varias, con Rhona Bennett yendo y viniendo... un culebrón de gente). Así que voy a hacer igual que con los demás grupos (ya os he cortado a Salt'n'Peppa en el 1995, que es dónde se pretende quedar este artículo) y os voy a hablar únicamente de la época que me concierne al explicar de qué va éso de "Las Pioneras" y que forma parte de una "Segunda Fase" (y un poco de una primera fase) del R&B de los 90.

Los productores Denzil Foster y Thomas McElroy (fundadores del grupo Club Nouveau) querían crear un grupo de nueva era, femenino, que aunara una imagen sexy e inteligente (y un tanto agresiva, solo un tanto) con buenas voces, al estilo de las del Soul clásico y la era Motown. Ya lo veis: Lo de pre-fabricar no es algo exclusivo ni original de los idols asiáticos (la Motown ya prefabricaba, Spector hacía maravillas en los 50, algún día os lo cuento).

Así fue como en 1989, juntaron a cuatro pibones: Cindy Herron, Maxine Jones, Dawn Robinson y Terry Ellis. Foster y McElroy querían dejar atrás los 80 y lanzarse a un nuevo mundo en el que pretendían fusionar lo clásico con la música New Jack Swing y el Hip-Hop. Y eso son exactamente los dos primeros álbumes de EnVogue, aunque el segundo ya marca un estilo un tanto más evolucionado (y refinado) y se puede enmarcar mejor en esta "Segunda Fase".

Digamos que Born To Sing (1990) fue un campo de pruebas que logró algo más experimental que lo que los chicos estaban haciendo (Blackstreet, Boyz II Men, muy bonitos, pero un poco estancados en lo suyo en ese momento), con su hit Hold On, que era exactamente el producto que querían realizar (aquello de fusionar cosas clásicas con todo lo moderno) y el Funky Divas (1992) fue un paso más allá, más hacia el futuro, con algo más refinado, menos contaminado por el New Jack Swing (que como estilo era algo limitado) y algo más evolucionado hacia un R&B moderno de verdad.

Del primer álbum, el Born To Sing, no solo tenemos el gran hit que fue Hold On (número 2 en la lista general del Billboard, número 1 en la de R&B, su primer crossover), también tenemos el tema Don't Go, Lies y You Don't Have To Worry. Aunque su imagen se presentaba más moderna, comparada con la que ofrecía Salt'n'Pepa, era un tanto más clásica, pero no tanto como la que ofrecieron en su siguiente álbum, Funky Divas, en la que parecían haber atracado el almacén de Motown y haber actualizado lo mínimo, con detalles, sus trajes. Eran el contrapunto sensual a la imagen rompedora de Salt'n'Pepa o JJ FAD. La cara Soul del Hip-Hop.

El Funky Divas, es ya todo un clásico, con temazos (no únicamente los singles) que rescatan ese sonido Soul clásico y lo llevan hasta lo que se empezó a llamar (de nuevo, pero como algo completamente nuevo) R&B. El álbum salió en 1992 y marcó el camino de lo que empezaría a explotar en 1993 (el Very Necessary, con su Whatta Man, de Salt'n'Pepa; el Music Box de Mariah Carey, quién había debutado en 1988, pero se había caído un poco con su segundo álbum; ), coincidiendo los éxitos de sus singles My Lovin' (Youre Never Gonna Get It), Giving Him Something He Can Feel (os hablé en el post de Whitney, es un remake del tema de la peli de Sparkle) y Free Your Mind (todos top 10, luego lanzaron dos más que fueron top 40), con el año en el que Boyz II Men rompieron barreras (y lograron un récord de semanas en el número 1, 12, que no se obtenía desde Elvis) con End of The Road (ojo, el récord lo rompería Whitney un año después con I Will Always Love You), dejando claro que el R&B acababa de empezar su invasión en los medios musicales.

Sigo con el Funky Divas y los dos últimos singles (los top 40) que marcaron el camino (a nivel de sonido) de lo que fue su siguiente lanzamiento, un EP que a veces olvidamos que existió, pero que fue igual de importante. Give It Up Turn It Loose y Love Don't Love You, tenían un sonido más Funk-disco-electrónico que se acercaba al del lanzamiento de su EP de 1993, Runaway Love, en el que incluían remezclas con estilos como el Dancehall o el House de algunos de los temas del Funky Divas, además de su colaboración con Salt'n'Pepa (Whatta Man). Aunque algunas versiones internacionales del Funky Divas incluyen este hit del 93, Whatta Man siempre se ha considerado un tema de Salt'n'Pepa en el que ellas son las invitadas, y no al revés o un tema conjunto (lógico, cantan solo el estribillo).

Otro apunte para quisquillosos:

Whatta Man samplea un tema escrito por Dave Crawford, What A Man, y cantado por Linda Lyndell (Stax Records, una de las pocas cantantes de Gospel y Soul de los 60 que ERA BLANCA y se retiró por las amenazas que recibió de grupos extremistas como el Ku Klux Klan tras el éxito que tuvo con este tema).

El tema original, tuvo una brillante versión por parte de la cantante aborigen australiana, Jessica Mauboy (es cantante de R&B, y bastante buena), en la película The Sapphires (otra peli que os recomiendo).

También existe un remake de la cantante Lena:

El siguiente grupo, SWV (Sisters With Voice), se juntaron ellas solitas, pero tuvieron que regalar botellas de Perrier con su humilde maqueta de estilo Gospel (moderno, es lo mismito que el R&B pero con letras de amar a Jesús y esas cosas, podéis ver los discos de Michelle Williams, o a las MaryMary, para referentes modernos) para llamar la atención y ser invitadas a hacer una audición para RCA.

Antaño, considerábamos a EnVogue por encima de SWV, muchos, y otros consideraban a SWV, pero más por su carácter un poco "menos mainstream" que lo hacía como más "auténtico" (eufemismo para decir "más negro", menos comercial, otro eufemismo de menos Pop). El grupo no deja de estar en esa fase en la que se mezcla el synto-pop, el Soul, el R&B con el New Jack Swing, pero con un toque personal (éso, el Gospel). Hoy en día, por los pollos de EnVogue, la gente recuerda mejor y con más cariño a SWV (también porqué ellas se reunieron y hacen tours todavía, así en plan "remember when..." que está muy de moda ahora). La verdad es que ambos grupos tienen su importancia. Sí, dejad que aclare dos cosas antes de vomitaros el cacho de wikipedia de SWV que me interesa vomitar:

EnVogue tuvo su máximo punto de referencia en el hecho de ser el primer grupo en FUSIONAR géneros y en DISTRIBUIR el liderato entre TODAS sus componentes y MARCAR las ARMONÍAS como distintivo vocal. Algo que jamás se había hecho (los grupos antiguos, siempre recaían en una líder o dos, como mucho). 

SWV tuvo su máximo punto de referencia en el liderazgo vocal de Coko, ya que su modo de abordar los versos (a nivel vocal) era algo que sonaba "nuevo" y fresco, porqué cantaba como con un estilo más gospel que tenía fraseos muy rápidos y elaborados. Y muchos nunca se cansan de señalar lo mucho que Beyoncé bebe de ella. Sonará a gilipollez, ahora que ella es ya un Dios (sí hay tarados que la veneran cual Jesusito, queriendo decir que han montado una religión medio en coña, medio en serio), pero en la época, Coko era la maestra, la diosa, la musa, y Beyoncé una principiante que se inspiraba en gente como ella (entre otras). Otro punto de SWV, fue que ellas mantuvieron una imagen más sobria y de calle (al principio), que contrastaba con ese look glamuroso de las EnVogue y con el look de pandillera fashionista de las Salt'n'Pepa.

Ahora regreso a SWV. Como empezaron en 1990 y no lanzaron su debut hasta 1992, a pesar de ser un grupo que marcó casi la totalidad de la década (y que evolucionó con ésta), hoy me voy a quedar en su primer álbum y su primer álbum de remezclas. Os prometo que cuando haga la era de 1996-1999, os hablo más de ellas, pues lanzaron discazos durante esos años.

Cheryl "Coko" Gamble, Tamara "Taj" Johnson y Leanne "LeLee" Lyons formaban este trío vocal de R&B más "puro" o menos abierto a mezclar estilos de origen no afro-americano, llamado SWV (Sisters With Voice). En parte, sus inicios como grupo de Gospel, marcaron mucho el estilo vocal y el tipo de música R&B/Soul que les produjeron al largo de la década de los 90.

Su álbum debut, It's About Time (1992), las puso en el panorama musical y contribuyó a esta subida del R&B de inicios de los 90 (que explotaría a mediados-finales), además de abrir la puerta a muchos otros grupos de chicas que (quizás) tomaron de referente más a SWV (y TLC) que a EnVogue. El álbum fue multi-platino con más de dos millones de copias vendidas, y tuvo éxitos como Right Here, I'm So Into You (uno de mis clásicos favoritos), y Weak (todo un clásico del R&B, logró ser número 1 en las listas generales del Billboard). El cuarto single que lanzaron fue un bombazo, el tema era una remezcla de su primer single (Right Here), lanzado bajo el nombre de Right Here/Human Nature, que sampleaba un tema de Michael Jackson (Human Nature, del álbum más vendido de la historia: el Thriller). Luego lanzarían dos singles más: Downtown y Always On My Mind. Su primer álbum llegó al puesto número 8 del Billboard Hot 100 y luego lanzaron su primer álbum de remezclas: The Remixes. Éste, logró ser disco de oro (que no está mal, para un disco así en la época en la que se lanzó).

En 1995, colaboraron en el single de Blackstreet, Tonight's the Night, que entró en el top 40.

Ambos grupos (SWV, EnVogue), se mantuvieron sólidos durante la "Tercera Fase", pero entonces ya se encontrarían con más competencia. La importancia que tienen, es precisamente la de haber formado parte de los grupos que abrieron la puerta a los demás.

Así llegamos al último grupo principal (no os preocupéis, me he molestado en buscar otros nombres, menores, pero importantes): TLC. No es que los otros grupos que aparecieron entre 1990 y 1993 no fueran importantes, es que estos que he nombrado primero fueron los que rompieron moldes y dieron a conocer el R&B (además de encabezar e inspirar a todo lo que vino después).

Las TLC fueron otro grupo creado por un concepto. Aunque una de las creadoras de este concepto iba a ser una de sus integrantes originales. En 1990, el productor Ian Burke, conjuntamente con una clienta suya, Crystal Jones, tuvo la idea de crear una versión femenina del grupo de New Jack Swing, Bell Biv DeVoe, con esa imagen hip-hop, que fuera algo más "masculino" (algo que ya mostraba Salt'n'Pepa o JJ FAD). Es así como Crystal terminó encontrando a Tionne "T-Boz" Watkins y Lisa "Left-Eye" Lopes. Bajo el nombre de 2nd Nature, el trío empezó a trabajar en su maqueta con el productor Jermaine Dupri y Rico Wade.

Quedaros con esta parte, porqué el biopic de TLC (CrazySexyCool), aunque es más entretenido y un poco más cercano a la realidad, retocó un poco la historia de como se fundó el grupo y como mandaron a paseo a Crystal.

Imagen del biopic, CrazySexyCool

Gracias a los contactos de Tionne (trabajaba en una peluquería), lograron una audición para la compañía que la cantante de R&B Perri "Pebbles" Reid acababa de crear. Volved a mi post de Whitney y ataréis cabos: Pebbles era la mujer de L.A. Reid, quién acababa de entrar a ARISTA y el dichoso sello de Babyface (con quién trabajaba Reid) había firmado para este otro (más grande). TLC acabaron firmando por LaFace Records (ARISTA).

Pebbles renombró el grupo como TLC-Skee y (es probable que como dice el biopic) trató de reformar un poco el concepto del grupo para que pudiera competir con los productos que estaban creando otros (EnVogue acababa de debutar, SWV) y quisiera darle una imagen más "femenina", pero las chicas prefirieron no cambiar la imagen de "marimacho". También, contrariamente a lo que marca el biopic, fue L.A. Reid quién se deshizo de Crystal (y no Pebbles), al no verle potencial a ésta, pero sí a Tionne y a Lisa. Luego, existen las versiones de las chicas: Crystal alegó que ella fue descartada por querer revisar su contrato antes de firmarlo, mientras que Tionne alegó que le pidieron que se fuera antes de firmar. Lo cierto es que Crystal probablemente fue reticente a firmar sin revisar, mientras las otras dos no. Y eso es creíble, porqué el contrato que firmó TLC era de lo peor y las llevó a la bancarrota años después, y les costó mucho librarse de Pebbles y otras lacras.

T-Boz y Left-Eye grabaron (antes de encontrar a Chilli) una colaboración para el álbum de Damian Dame (titulado como él), y de una de sus bailarinas, sacaron a la sustituta de Crystal: Rozonda "Chilli" Thomas. Ella entró en 1991, y fue entonces cuando se buscaron los apodos para cada una de ellas, para poder mantener el TLC del nombre (también fue cuando el nombre se quedó en TLC, quitando el "Seeker").

El grupo aprovechó la entrada al sello de LaFace de el nuevo productor, Dallas Austin, para empezar a trabajar en un nuevo sonido que derivaba del New Jack Swing, y continuaron trabajando con Jermaine Dupri (con quién habían realizado su maqueta), además de trabajar con Marley Marl.

TLC debutó como coristas en un tema de Jermaine Jackson (sí, el hermano de Michael) titulado Rebel (With a Cause) (1991) y luego lanzaron su primer álbum en 1992: Ooooooohhh... on the TLC Tip. 

Aunque sus dos primeros álbumes fechan muy seguidos (1992-1994), existe una evolución de sonido mucho más notable que con EnVogue o, incluso, SWV de un álbum a otro. En ese aspecto, TLC fueron pioneras más que otro grupo. Con CrazySexyCool se adelantaron a todo el mundo del género y lideraron por completo la "Tercera Fase" que empieza en 1995. Mientras la mayoría de artistas empezaron a evolucionar en el estudio a partir de 1995, ellas lo hicieron ya en 1993, cuando todavía se estaba trabajando en esa especie de fusión post-New Jack Swing con el Soul.

El primer álbum de TLC, Ooooooohhh... on the TLC Tip, es muy "New School" (hoy en día es "Old") del momento, apegado al New Jack Swing de base, pero innovando gracias a su concepto de incluir el Funk, el Hip-Hop y el R&B en una única fórmula. Cada miembro representaba uno de estos estilos y, es cierto, que hoy en día, no existe (ni ha existido) un grupo que haya sido capaz de aunar tres aspectos tan diferentes de estos estilos de música a través del sonido (y color) de sus voces y de su capacidad interpretativa. Creo que el único contraste vocal similar, lo encontramos en la primera formación de Sugababes. Atención porqué esto no es una comparativa gratuita ni un apunte insignificante. Es algo que realmente marcó unas pautas y que muchos grupos asiáticos han tratado de reproducir con sus fórmulas idol (lo del rap hasta en la sopa):

T-Boz representa el aspecto Funk. Tiene una voz de contra-alto muy marcada y única (e irrepetible) capaz de alcanzar notas muy graves que, a pesar de que muchos directamente dicen que suena "horrible" o que parece una "rana" cantando, son imposibles de cantar para una mujer corriente y hacer que suenen bien. T-Boz no solo tenía esa capacidad, además tenía un registro medio decente y un registro agudo bastante satisfactorio. Los grabes de Tionne, únicamente los encontramos (aunque con otro color y estilo) en cantantes como Mutya Buena (Sugababes) o Michelle Williams (aunque para apreciar los de esta chica, hay que escuchar sus álbumes de Gospel, no los temas de Destiny's Child).

Left Eye representa el Hip-Hop y, aunque la mitad de temas se los pasa haciendo el pallaso (era una parte importante de la interpretación que hizo que fuera tan apreciada por los fans), Lisa se supone que algo cantaba, aunque no era una voz para tirar cohetes, fue de las primeras mujeres del mundo comercial apreciadas por los tíos del rap, por su "flow" (una velocidad apreciable) y por el significado de sus rimas, fruto de un carácter problemático, una vida problemática y muchas secuelas de su infancia. Lisa era, además, la más creativa del grupo, artífice de muchas ideas que hicieron al grupo pionero e inspiración de muchos que vinieron detrás (algo injusto que el biopic dejó de lado, no este aspecto, fue el hecho de como apostó por nuevos talentos).

Chilli representa el R&B (o Soul), aunque durante muchos años las malas lenguas decían que era la cantante Debra Killings (quién siempre les grababa los coros, además de ser autora de algunos de sus temas) quién cantaba por ella. Dicen que en el primer álbum hicieron aquello de fusionar su voz con la de la chica de TLC... la verdad es que es creíble, y que se aprecia una evolución vocal con los años (y los directos) de Chilli en los temas de TLC. Chilli era, también, la parte del grupo que rebosaba feminidad, contrastando con sus dos compañeras que daban esa imagen de "mari-macho". Volviendo a su voz: Chilli era la mezzo-soprano del grupo, con una manera más dramática de cantar, un carácter más Soul y Blues, además de ser la que lideraba el apartado de baile.

A parte de la importancia de estos roles, la importancia del carácter de sus voces y modo interpretativo, el legado de TLC de los años 1992 a 1995 es muy importante.

Ooooooohhh... on the TLC Tip fue un álbum que rompió moldes: El aspecto de Bell Biv DeVoe, el estilo de Salt'n'Pepa y JJ FAD y el sonido de SWV (más que de EnVogue). Todo mezclado, todo en uno, pero con el aliciente de que los temas de TLC eran (casi en su mayoría) puro ritmo, baile, diversión, pero con letras que hablaban de la realidad de la juventud del momento y de cosas serias como las relaciones sociales, las sentimentales, el modo en el que el feminismo empezaba a ser necesario en las chicas de los 90 (aquello de como se mostraban como "chicas objeto" en el rap, etc.), y una especie de ganas de "dejar de ser del ghetto" pero sin perder el orgullo de pertenecer a las clases más humildes. Todo en uno.

No sin más, esta fórmula chocante cuajó en la juventud norte-americana y pronto las llevó a ser grupo de top10, sin tener oportunidad de encasillarse en las listas de R&B. El álbum fue cuatro veces platino, que se dice pronto. Sus singles: Ain't 2 Proud 2 Beg, Hat 2 Da Back, What About Your Friends y Baby-Baby-Baby le dieron voz a toda una generación del mismo modo que lo hizo el Grunge.

Para cuando llegó el turno de CrazySexyCool, lanzado en 1994, al grupo le habían pasado muchas cosas a nivel personal (y seguían sin ver un céntimo, eso duró más tiempo del que nos creemos), pero lo que más marcó, fue el incidente con Lisa (le quemó la casa a su novio) que la mandó por un buen tiempo a rehabilitación, hecho que propició el nacimiento del rap que forma parte del mega-hit Waterfalls (un himno, he dicho).

Así, para no pasarme de largo con ellas, lo curioso del álbum es como de rápido evolucionó Dallas Austin (y también Jermaine Dupri, quién trabajó de nuevo con ellas), con su sonido. Dejando ya un poco de lado el New Jack Swing (o evolucionando de éste a un sonido más refinado que únicamente mantenía las estructuras rítmicas) y entrando en sintonía con los nuevos productores como Puff Daddy y los Organized Noize, o el mismo Babyface (quién también produjo en este álbum). 

A diferencia de SWV y EnVogue, que lanzaron sus álbumes de "Tercera Fase" mucho después, TLC coló su evolución a esa nueva etapa a nivel de sonido justo dos años después, siguiendo el éxito (que también fue superior al de los otros dos grupos), y de aquí que siempre se las considere por encima de los demás grupos. 

Si escucháis los singles de CrazySexyCool: Creep, Waterfalls, Red Light Special y Diggin' On You, podéis ver enseguida el porqué, a pesar de ser un álbum realizado durante 1993 y lanzado en 1994, éste encabeza ya la era que se inició a partir de 1995. Los temas van mucho más allá que los de EnVogue en Funky Divas y los de SWV en It's About Time, aunque estos dos álbumes ya eran un poco más refinados, además de lograr esa fusión perfecta entre R&B clásico, Soul y Hip-Hop, que ha superado con creces la etapa del New Jack Swing. CrazySexyCool les valió dos Grammy a TLC en 1995, además de alcanzar el estado de disco de diamante (más de 23 millones de copias vendidas en todo el mundo).

Para quisquillosos:

Exactamente, CrazySexyCool comparte año con otro referente del R&B, o uno de los pilares (y álbumes que se consideran que empezaron el género) del R&B Contemporáneo: My Life de Mary J. Blige (no es casualidad que Puff Daddy también formara parte del elenco de productores del segundo álbum de TLC). 

En este caso, el álbum debut de Brandy, Brandy (1994) se queda casi a las puertas de compararse a este nuevo estilo, pues traía este sonido R&B/Soul clásico con un toque de hip-hop y sin casi rastros de New Jack Swing (no como el debut de Monica, Miss Thang, que fue lanzado en 1991). Aunque yo lo pongo más a la altura de lo que fue el debut de SWV, es cierto que se queda a medio camino de éste y de la obra maestra de Mary J. Blige.

Las demás chicas

JADE

Ciertamente, los grupos empezaron a explotar a partir de 1995, pero eso no quita que algunos se contaran ya con estos que hemos considerado pioneros y ejemplares. Tenemos una pequeña variedad de ellos, aunque algunos tuvieron sus éxitos que hacen que los recordemos más que a otros.

Jade, son de aquellos grupos que no tuvieron una carrera tan "menor", a pesar de no haber alcanzado el estatus de SWV o TLC. El trío compuesto por Tonya Kelly, Joi Marshall y Di Reed, tuvo sus éxitos que contribuyeron a este auge de inicios de los 90. Inicialmente, el grupo se llamaba JAD y estaba compuesto por Joi y otras dos chicas llamadas Angie y Debbie (de aquí lo de JAD), luego ya sabemos que pasó (las dos otras chicas se piraron) y al cambiar de componentes cambió el nombre a Jade. El grupo se formó en 1991 y debutó en 1992 con el álbum Jade to the Max. Su primer single fue un hit gracias a que se incluyó en la banda sonora de la película Class Act (del dúo de rap Kid'n'Play), el tema I Wanna Love You. Aunque el hit que todo el mundo suele recordar es el segundo single, Don't Walk Away.

Este es un grupo que se considera de Hip-Hop/Soul, contrastando con el típico sello de R&B/Soul. Para la época, se puede decir que no dependieron tanto del fuerte auge del New Jack Swing y que son algo así como una versión más suave de Salt'n'Pepa que, en vez de rapear, cantaba.

Su segundo álbum, de 1994, aunque con menor potencia rítmica, se puede decir que acompaña esa evolución de estilo de TLC con CrazySexyCool. Mind, Body & Song, presentó temas con un toque más refinado o de "satén", con ritmos Hip-Hop de fondo, que no desentonaban con esta nueva fase del R&B que terminaría de destaparse en 1995. Su single más notable de ese álbum es Every Day of the Week.

Con un carácter más de de House (escena de Club), tenemos al trío Jomanda compuesto por Joanne Thomas, Cheri Williams y Renee Washington. Este grupo tiene dos álbumes: Someone To Love Me (1990) y Nubia Soul (1993). Sus hits: El número 1 de la lista Hot Dance Club Party de 1991, Got a Love For You (top40 del general), y su colaboración con Felix, Don't You Want Me.

Otro de los pesos pesados, es el grupo Xscape. Que aunque no llegara al éxito a nivel internacional de los otros, no deja de ser importante por ser dónde empezó Kandi Burruss (quién tampoco triunfó como solista, pero quién es una gran compositora de éxitos del R&B), además de haber logrado un cierto éxito entre el público general y tener una presencia bastante notable en el sector del R&B.

Originalmente un quinteto compuesto por las hermanas LaTocha y Tamika Scott, Kandi Burruss, Tameka "Tiny" Cottle y Tamera Coggins, a inicios de los 90, el grupo se convirtió en cuarteto cuando Coggins se fue antes de lanzar su primer álbum. Xscape fue un descubrimiento de Jermaine Dupri, quién las debutó en su fiesta de cumpleaños de 1991.

Hummin' Commin' at 'Cha (1993) fue su primer álbum, que logró llegar al puesto 17 de la lista general y al número 3 de la de R&B, además de tener dos singles que fueron top 10: Just Kickin' It y Understanding. Este álbum tampoco arrastra ya esos toques de New Jack Swing, aunque sigue siendo un álbum algo prematuro y menos maduro que los posteriores que ya forman parte de lo que viene a partir de 1995.

Nuttin' Nyce, se formó en 1992 con LaTeecee "Teecee" Wallace, Onnie Ponder y Liz Burnett, que habían sido parte del grupo Attitude (eran cinco, al irse dos, se cambiaron el nombre por Nuttin' Nyce). En 1993, Liz Burnett se fue y Eboni Foster entró en su lugar. Ese año lanzaron su álbum debut, Down 4 Whatteva, cuyo primer single, In My Nature, llegó hasta el puesto 83 de la lista general del Billboard. El segundo single, Down 4 Whatteva, tuvo cierto éxito en el Reino Unido. El grupo destacó por el fuerte carácter sexual de sus temas, además de versionar uno de los temas del grupo que Prince confeccionó en los 80, Vanity 6, la canción Nasty Girl, aunque eso ya fue en 1995.

For Real se formaron en 1993 y, aunque no se hable a menudo de este grupo, durante la segunda mitad de los 90, siempre estuvo allí, optando a premios y esas cosas. Wendi Williams, Latanyia Baldwin, Josina Elder-Epps y Necia Bray-Gates, lograron su contrato con A&M Records por casualidad, al cantarle un a capela a su manager cuando lo fueron a buscar al aeropuerto (un ejecutivo del sello las escuchó y más tarde las buscó para contratarlas).

Su primer álbum, It's A Natural Thing, se lanzó en 1994 y estaba producido por Brian McKnight (que no es uno cualquiera, precisamente, en 1992 debutó y se convirtió en una de las estrellas del R&B). Aunque sus singles fueron hits menores en las listas generales, el álbum fue recibido muy bien por los críticos. You Don't Wanna Miss, Easy To Love y You Don't Know Nothin', son los temas que se promocionaron de su álbum debut. Estamos ante uno de los grupos con carácter más Soul del R&B que todavía formaría parte de esa "Tercera Fase".

Cassandra Lucas y Charisse Rose formaban el dúo Changing Faces, uno de esos grupos que fueron igualmente importantes y duraron toda la década. Las chicas empezaron como coristas de la cantante Sybil y luego se lanzaron al panorama del R&B con su álbum, Changing Faces, en 1994. Sus dos primeros singles, producidos por R.Kelly, fueron top 10 en las listas R&B. El primero, Stroke You Up, fue además número 3 en las listas de Pop. Foolin' Around fue el otro hit que les brindó ser disco de oro con su primer álbum.

Zhané, otro dúo, compuesto por Renee Neufville y Jean Norris-Baylor, empezaron sus andaduras a inicios de los 90, grabando por primera vez juntas con Jazzy Jeff (DJ) y The Fresh Prince (Will Smith), el tema Ring My Bell. Su primer hit fue el tema Hey, Mr. DJ, todo un himno del Hip-Hop, que lanzaron en 1994 como parte de la compilación de singles Roll Wit Tha Flava y llegó al número 6 en las listas de Pop, además de traerles su primer contrato con Motown. Ese mismo año, lanzaron su álbum debut: Pronounced Jah-Nay, del cual se extrajeron Groove Thang y Sending My Love, ambos top 40. También fue un éxito su tema Shame, para la banda sonora de la película, A Low Down Dirty Shame.

Rozando la línea

El siguiente grupo, se creó en 1994. MoKenStef, compuesto por Monifa Bethune, Kenya Hadley y Stefanie Sinclair. El grupo lanzó su debut en 1995, el álbum Azz Izz, del que lanzaron los singles, He's Mine (su mayor hit), Sex In The Rain y Baby Come Close (un remake de un tema de Smokey Robinson).

Kut Klose, formado por Athena Cage, Lavonn Battle y Tabitha Duncan, también se formaron en 1994 pero no lanzaron su debut hasta 1995, el álbum Surrender, del que lanzaron los singles, Surrender, Lovely Thang y I Like (su único éxito, número 8 en las listas de R&B/Hip-Hop).

Con estos dos grupos, finalizo esta primera parte, con los grupos pioneros que formaron parte de esta primera mitad de los 90. La próxima, espero, los grupos a partir de 1995 y sus lanzamientos.

Sí, me dejé fuera a The Braxtons, que bien encajan en dos apartados de este artículo, pero creo que merece más la pena dedicarles un artículo a parte, más adelante. Simplemente, tened en cuenta que fueron de esos grupos de base Gospel que formaron parte del auge del R&B de la Segunda Fase. Pero la verdad es que no tuvieron éxito alguno, y únicamente son recordadas como "importantes" por ser el grupo de Toni Braxton y (hoy en día, pues su debut fue un poco flop), también de Tamar, gracias a cierto Reality. Dejo así este tema para un futuro.

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Fuente para grupos de los 80:

https://totallytubular80s.wordpress.com/2011/04/25/girl-bands-of-the-80s/

(Los demás, son wikipedias, sí recuerdo al dedillo todos esos cd's, de una época en la que sin Internet, me memorizaba caratulas de una determinada tienda XD)

Fuentes fotográficas:

https://www.pinterest.com/pin/11399805279131475/

https://www.youtube.com/watch?v=fji4rF2W8Y4

http://www.bet.com/music/photos/2012/02/top-20-girl-groups.html#!022012-music-girl-groups-jade

http://ambrosiaforheads.com/2015/02/25-years-ago-today-bell-biv-devoe-made-a-poisonous-everlasting-hit-video/

http://thehowardtheatre.com/show/2015/07/18/salt-n-pepa-3/

http://www.soulbounce.com/soul/2013/12/soulbounces_class_of_1993_salt-n-pepa_very_necessary/

http://www.metrolyrics.com/supersonic-lyrics-jj-fad.html

http://www.vibe.com/2013/04/original-members-en-vogue-retain-rights-name/

https://en.wikipedia.org/wiki/Hold_On_(En_Vogue_song)

http://www.rollingstone.com/music/lists/100-best-albums-of-the-nineties-20110427/en-vogue-funky-divas-20110513

http://www.snipview.com/q/Linda_Lyndell

http://www.lyricsmode.com/lyrics/s/swv/right_here.html

http://soulculture.com/features/interviews/swv-%E2%80%98it%E2%80%99s-about-time%E2%80%99-exec-producer-brian-alexander-morgan-reflects-on-the-classic-lp/

http://www.mtv.com/news/2519282/tlc-style-icon/

http://www.nydailynews.com/entertainment/tv-movies/tlc-biopic-crazysexycool-hits-vh1-ratings-record-article-1.1493071

http://www.allmusic.com/album/ooooooohhhon-the-tlc-tip-mw0000678115

http://aquarious12493.blogspot.com.es/2010/04/tlcs-crazysexycool-photo-shoot.html

http://www.thisisrnb.com/tag/tlc/

http://www.rollingstone.com/music/lists/500-greatest-albums-of-all-time-20120531/mary-j-blige-my-life-20120524

http://aisi2.rssing.com/chan-2713385/all_p277.html

http://www.bet.com/music/photos/2012/02/top-20-girl-groups.html#!082911-muisc-swv-be-like-mike

http://www.allmusic.com/album/someone-to-love-me-mw0000312748

http://www.allmusic.com/album/hummin-comin-at-cha-mw0000104421

http://www.amazon.com/Down-4-Whatever-Nuttin-Nyce/dp/B00000050P

https://en.wikipedia.org/wiki/For_Real

https://en.wikipedia.org/wiki/Changing_Faces_(Changing_Faces_album)

https://en.wikipedia.org/wiki/Groove_Thang

http://www.discogs.com/artist/66029-MoKenStef

https://play.google.com/music/preview/T6e54duif73ffmwssrvn5aigmcm?utm_source=youtube&utm_medium=buylink

Lo que vería en un biopic de Whitney

El 17 de Enero de este 2015, la cadena estadounidense, Lifetime, emitió el "famoso" biopic de Whitney. Yo lo vi hace una semana, al encontrar cómo hacerlo. Estaba algo esperanzada porqué esta vez, decían que el tele-film no era tan malo como muchos de los anteriores que esta cadena ha producido.

Os pongo en situación un poco:

Es la misma cadena que realizó el polémico biopic sobre Aaliyah (sin el permiso de sus familiares) o el cuestionable tele-film sobre la serie Salvados por la Campana, con la única perspectiva de Dustin Diamond (Screech, en la serie).

Mi intención era empezar la nueva entrada con lo que iba a hacer en un buen inicio con la recuperación de este blog (grupos, grupos, grupos, de EEUU antes que de otros países, que también los habrá), pero al ver el biopic cogí tal cabreo, que me vi en la necesidad de cambiar de nuevo mis planes para la entrada de esta semana.

Quiero ser breve con la introducción, aunque es algo difícil, así que os resumiré que -contrariamente a las críticas de blogs y otros medios- a mí el biopic de Aaliyah al lado del de Whitney, me pareció hasta bueno. Y debe constar que el biopic de Aaliyah es una gran bazofia, que insistió en el sensacionalismo, pero al menos tuvimos un poco más de perspectiva sobre su carrera, los pasos que siguió, cómo se convirtió en actriz y en un icono de moda, etc. mientras que el biopic de Whitney se deja todo su peso real fuera del film.

Para empezar (y terminar mi intro), el tele-film de Lifetime está contado desde la perspectiva de su ex-marido: Bobby Brown, y parece un biopic de él en vez de ella. Toda la historia está enfocada en su perspectiva y en dejarlo a él como una persona inocente que fue arrastrada a la desesperación por culpa de su pareja. Nos narra el tele-film, que Bobby Brown trató de mil maneras hacer que Whitney dejara las drogas, y poco más. 

El problema es que, incluso, para ser un biopic de Bobby Brown camuflado, sigue siendo una MIERDA, así en mayúsculas, por los siguientes motivos:

1. -Casi no se nos habla de su carrera artística ni de lo que significó (llegaré algún día a hablaros de él, lo prometo y está previsto desde hace tiempo, desde antes de mi mega-hiatus).
2. -Su personaje está distorsionado, causa de un gran narcisismo y la complicidad de su directora (Angela Basset, cómo me has decepcionado). No es para nada la persona que hemos visto durante todos estos años y no me sirve la excusa de que los cantantes siempre tienen un lado oculto. Lo que sucede en el biopic no coincide con los hechos de su vida casi en nada.
3. -Las INNECESARIAS escenas de sexo se comen más de la mitad del film.
4. -El actor no es bueno (ninguna sorpresa, Yaya Dacosta también es un desastre), aunque baila bien.
5. -De nuevo, no se nos explica casi nada de su carrera, cosa que hace el biopic completamente INÚTIL.

Con estas cosas dichas, empiezo mi entrada de esta semana.

En vista que el biopic empieza en 1989, justo cuando Whitney conoce a Bobby (porqué no era nadie antes de ese momento, claro), me pregunto el porqué pensaron que no era trascendente narrar el inicio de su carrera (bueno, tampoco tocaron mucho el resto, pues todo lo que se refería a su música, parecían escenas de puro relleno), cuando Whitney Houston fue una cantante que marcó un antes y un después en la historia de las cantantes negras. No es únicamente por su voz (se consideró que era LA VOZ, lo mismo que en su día con Frank Sinatra), es por los pasos que siguió con su carrera y el inicio de ésta es más importante de lo que la gente se cree.

Yo nunca he sido mega-fan de Whitney, ni siquiera puedo decir "yo era dan", porque Whitney no era mi cantante preferida ni una de mis preferidas. Simplemente era una cantante que me gustaba, con quién había crecido (lo mismo que con Madonna) y de quién me gustaban ciertas canciones. Pero no puedo negar el hecho de que siempre haya reconocido su importancia y el gran referente que era.

Habréis leído cientos de veces que Whitney entró con buen pié en el mundo de la industria musical porqué venía de buena casta: Su madre era cantante de gospel (Cissy Houston, ganadora de dos grammy) y su prima es la gran Dionne Warwick (una de las leyendas del Soul), su otra prima era Dee Dee Warwick (hermana de Dionne, otra cantante de Soul, entre otras cosas), su madrina es Darlene Love (la cantante del hit He's a Rebel) y su tía honoraria Aretha Franklin (de quién no debemos añadir nada, siendo la eminencia que es). Pero lo importante no es que tuviera enchufe, si no que Whitney llegó en una época un tanto oscura para el viejo Rhytm'n'Blues, en la que empezaba a predominar el Pop influenciado por estilos como el glam rock, la música sintetizada, el punk, el Pop europeo de los "neo-románticos", la New Age... etc. 

Whitney debutó en Febrero de 1985 con su primer álbum de estudio, Whitney Houston, en una época en la que el canal MTV empezaba a despuntar y ser una buena arma de promoción para nuevos artistas (en aquella época, TODO eran vídeos). La MTV es la responsable de que los cantantes empezaran a tomarse en serio sus vídeos de promoción para que fueran atractivos a la audiencia televisiva y no un mero acompañamiento de presentación. El problema con la MTV, era la sociedad estrictamente racista (sí racista) estadounidense que vetaba cualquier producto de procedencia afro-americana y trataba de que no llegara a medios que se destinaban a una audiencia general (por aquello de que la sociedad es toda taaaan blanca... ¬¬) y los altos cargos del canal solían ponerse las manos a la calva cuando les venían con algún vídeo de algún cantante negro.

Parece que todo esto me lo esté inventando, pero no. Lo he visto en cientos de documentales, pero además es que es cierto. Si en aquella época, no hubiera existido el bombazo del Thriller de Michael Jackson, probablemente Whitney lo habría tenido crudo para lograr colarse en cualquier medio de tipo general y no estrictamente dirigido a una audiencia negra. Sí, queridos lectores, cuando le tocó el turno a Michael, también trataron de negarse a emitir sus vídeos de promoción de uno de los álbumes que más pasta ha recaudado en toda la historia de la industria musical.

Primera parte del biopic que quiero ver:

Si yo hubiera realizado un biopic de Whitney, quizás no habría caído en la trampa fácil de filmar una niñez-adolescencia idealizada entre esa gran familia cantarina que tenía (algo habitual en este tipo de películas), pero habría empezado la peli justo en 1983 cuando su mami, Cissy, la llevó a Clive Davis de ARISTA y lo convenció para que firmara a la joven modelo de la revista SEVENTEEN (toda una institución en EEUU) que había acaparado la atención de algunos sellos discográficos (Elektra Records estaba entre ellos) por su impresionante voz.

Habría empezado por allí y por mostrar el plan de Davis para hacer que una chica negra lograra colarse en las listas de música generales. Por supuesto, para éso Whitney tuvo primero que causar sensación en las listas de R&B.

El tele-film de Lifetime entra a saco con el posterior éxito de su segundo álbum y nos introduce a ARISTA como si nada, sin ponernos en contexto ni dar detalles de nada. No quiero extenderme demasiado, pero el hecho de que Cissy descartara otras discográficas y eligiera ARISTA es significativo, pues fue uno de los sellos pioneros del R&B de mediados de los 80 y de casi toda la década de los 90 y -como podéis imaginar- Whitney se convirtió en su buque insignia.

Dejarse fuera la realización y promoción de su primer álbum es un graso error. Ya os he advertido que Whitney fue un referente, el modo en que su primer álbum la fue llevando al estrellato single tras single, no es como para omitirlo. Su primer single en EEUU fue el tema You Give Good Love, que estaba destinado a la audiencia afro-americana (fue un tema descartado por Roberta Flack) pero que se coló en el puesto #3 en el Billboard Hot 100 general (fue #1 en las listas de música negra). El tema no hizo nada fuera del país, pero ayudó a que las ventas de su álbum debut aumentaran y le salieran bolos de discoteca que ayudaron a reforzar sus siguientes singles que promocionaban el álbum. Whitney, además, consiguió ser invitada en algunos programas de variedades nocturnos (Late-Night Shows) a los que difícilmente asistían artistas afro-americanos. Éste fue, probablemente, el primer paso para darse cuenta de que Whitney podía redirigirse como producto inicialmente destinado a una audiencia afro-americana a otra más general. Saltar directamente a la parte en la que su carrera ya había cruzado la frontera del R&B, es un tanto drástico si tenemos en cuenta lo que significó este hecho para toda una generación de artistas negros.

Su segundo single, Saving All My Love for You, estaba compuesto ni más ni menos que por Gerry Goffin (letrista de Will You Love Me Tomorrow, el hit de 1960 de The Shirelles, entre otros hits de la década) y Michael Masser (compositor de temas R&B/Soul, os sonará el hit de Glenn Medeiros: Nothing's Gonna Change My Love for You). El tema fue originalmente grabado por Marilyn McCoo y Billy Davis Jr., lanzado en 1978, pero para Whitney supuso su primer #1 en EEUU y en el Reino Unido, además de ganar un Grammy a mejor interpretación vocal femenina. 

De las discotecas, pasó a ser telonera de Jeffrey Osborne (vemos la mejora de medios de promoción), un cantante de R&B. Su siguiente single, se volvió a orientar directamente a la audiencia de R&B (Thinking About You), el tema alcanzó el top 10 de esas listas, pero luego se lanzaría como cara B del tema  Greatest Love of All, una versión de un tema de 1977 que se usó como banda sonora de un biopic del boxeador Muhammad Ali, grabado por el cantante George Benson.

Sin embargo, antes de este single que hemos nombrado ahora, primero lanzó el tema How Will I Know, que llegó a ser #1 y se lanzó en el momento indicado para que la MTV lo emitiera sin parar. Justo en esa época volvían a recibir críticas de la audiencia por discriminar a los artistas negros, latinos y no blancos en general. Estamos, sin duda, ante uno de los hits del R&B de aquella época que logró colarse en las listas de Pop de varios países y que, hoy en día, todavía se recuerda a pesar de que ella tuvo temas que se creen más icono. Por no decir que era una canción inicialmente escrita para Janet Jackson, otra rompe-barreras.

En 1986, el álbum seguía promocionándose y logró posicionarse en el top 200 de la lista de álbumes de Billboard, quedándose allí durante catorce semanas. Os parecerá una tontería, algunos lo llamarían un flop, pero si consideramos que en la época el único negro que tenía éxito entre los blancos (y todos) era Michael Jackson, pues no es moco de pavo que una jovencita afro-americana que llevaba un álbum de R&B bajo el brazo, se colocara entre los primeros 200 puestos con éste.

Su último single fue su primer gran éxito. Greatest Love of All (una versión, como ya hemos comentado), debutó en el #1 y le logró el récord de ser la primera mujer que logró tres números 1 consecutivos en el Billboard Hot 100. Ese año fue elegida Artista del Año por Billboard y su álbum fue también Álbum del Año.

Al fin, Whitney tuvo su primer tour como cabeza de cartel: Greatest Love Tour. Además de ganar varios premios gracias al éxito de su álbum debut (incluido un Emmy por una actuación televisiva, siete American Music Awards y un MTV Video Music Award). Su debut por la puerta grande (incluso en 1987 recibió una nominación por el último single de su primer álbum) se considera uno de los hechos más importantes de la historia de la industria musical americana, también se dice que gracias a su éxito, artistas como Janet Jackson y Anita Baker pudieron llegar a una audiencia más general. Como para dejártelo fuera de un biopic ¬¬

Como nota a parte, en algún momento de esta primera parte, sí deberíamos de ver su obsesión con Sparkle, hecho que el biopic de Lifetime nos planta en una de sus fiestas de cumpleaños, justo cuando empieza a intimar con Bobby Brown.

Rediseñando el producto

El biopic de Lifetime se come toda la realización de su segundo álbum y su promoción, entrando a saco con su éxito posterior a éste (gracias a éste). Sinceramente, no es por dar cada detalle como con su álbum debut, pero creo que cabría narrar cómo se decide crear su segundo álbum de estudio y los motivos por los que pasó de estrella estadounidense a estrella internacional.

La verdad es que de su primer álbum se conservó casi que a la mayoría de sus compositores, productores, etc., incluso la crítica fue dura con el producto por parecerse demasiado al de debut (incluso el título era Whitney); pero si me voy a esos documentales que yo me trago, una vez vi uno sobre Mary J. Blige que analizaba su éxito en perspectiva y lo contraponía -en especial- al de Whitney, por ser ella una cantante negra a la que se le habían aplicado filtros claros para colarla al público blanco (o no afro-americano, en su defecto).

Para que se entienda, podemos decir que el R&B de la época anterior a Whitney y la de sus dos primeros álbumes, era así. Era un R&B que venía tras los días del disco, del funk, del Philadelphia Sound y que se había diluido mucho, que era casi todo de ritmos a medio-tiempo, baladas de toque romántico y que, encima, estaba evolucionando en su sonido a la par que la música Pop, así que en algunos aspectos, a veces no había tanta diferencia entre la música que hacía Madonna o la suya (no hay que olvidar que a Madonna se la intentó debutar omitiendo su imagen de las portadas de su single, para que los oyentes creyeran que era negra). El toque diferencial con Whitney era su voz, el color de ésta, y el modo de cantar que bebía mucho del gospel y del Soul clásico.

Pero Whitney, como sucede con muchos artistas que han logrado el éxito, volvió en el momento exacto, cuando su nombre todavía resonaba por todo lo alto y los canales de promoción iban a poner su música sí o sí, el público iba a querer escucharla (y comprarla) y el pez se muerde la cola, así que al final el éxito aumenta y las ventas crecen. Whitney se convirtió en un éxito comercial debutando en el #1 del Billboard 200, siendo la primera mujer de la historia en hacerlo. También se convirtió en el primer álbum de un artista en debutar en el #1 en EEUU y el Reino Unido. Todos los singles de este segundo álbum se colocaron en el #1 en las listas estadounidenses, dándole de nuevo otro récord, pero cabría poner hincapié en el hit (el primer single del álbum) I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me).

I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me), es uno de los primeros temas R&B de la década de los ochenta con ese ritmo bailable, que no es un medio-tiempo pero tampoco suena a disco-satinado (How Will I Know), con un vídeo bastante creativo y acorde a su época y que tenía ese sonido perfecto para ser un hit que trascendiera a su tiempo. No es de extrañar que fuera el tema que la colocara en el panorama internacional.

Podríamos añadir la parte en la que participa en el concierto que celebró el 70 aniversario del entonces presidiario, Nelson Mandela, porqué ella siempre estuvo implicada en la lucha anti-apartheid (durante su época como modelo rehusó trabajar para empresas que tuvieran negocios con Sur-África). El concierto del antiguo Wembley (otro hecho histórico) fue en Junio de 1988, durante su tour por Europa y, al poco después, Whitney grabó otro de sus temas insignia: One Moment In Time. La canción se grabó para promocionar la cobertura que la cadena NBC le dio a los Juegos Olímpicos de Seúl (1988).

Aquí sí que me saltaría un poco el tema premios (de nuevo, Grammy, American Music Awards) y me encontraría con el biopic de Lifetime en los Soul Train Music Awards (ganó uno en 1989), que siguen siendo una institución para la música R&B, Soul, Hip-Hop, etc., porqué su primer encuentro con Bobby Brown fue significativo.

Digamos, que en algún momento de la primera parte o la segunda, Whitney se empieza a meter en el tema de la cocaína (Lifetime la presentaba ya totalmente enganchada en 1989). Sí, concedo la licencia de creerme que Whitney ya se metía algo, es una cosa habitual en el mundo del espectáculo. Pero no me trago que Bobby no se metiera nada y fuera por el mundo diciendo que lo hacía porqué le había costado mucho llegar a dónde estaba.

Otro hecho que deberíamos interpolar, es porqué Bobby era importante en ese momento. Lifetime nos lo muestra actuando y deslumbrando a Whitney, pero poco contexto nos da.

• Bobby:

Para empezar, Bobby Brown no era un niño bueno. A Bobby le echaron de New Edition (todo un éxito en su época) por "mal comportamiento" y problemático. Así que dejad que dude cuando en el biopic de Lifetime va diciendo que no quiere coca. Debería añadir que sus principales problemas eran su afán de protagonismo (hecho que le traería problemas más tarde en su matrimonio y, por lo visto en el biopic XD) y su mala actitud.

El segundo hecho importante, es saber que el álbum que le dio el éxito del que gozó post-New Edition, fue el segundo: Don't Be Cruel. Y es bastante importante para la historia del R&B en general, pero también para la carrera de Whitney.
Este álbum fue uno de los pioneros del estilo New Jack Swing que fusionaba el R&B de la época con el Hip-Hop de la época, estilo que precedió la revolución del R&B de mediados de los 90 (cuando empezó a llamar al estilo Contemporary R&B o R&B, en contraposición a Rhythm'n'Blues, para diferenciarlo de su época clásica). Babyface, Antonio "L.A." Reid y Teddy Riley fueron los artífices de los temas de este álbum de Bobby Brown; aunque el single con más éxito (el segundo), My Prerrogative, fue escrito por Brown y Gene Griffin, el tema tiene muchos elementos del sonido creado por Teddy Riley (New Jack Swing) y se considera uno de los himnos de este estilo de música.

El tercer aspecto a tener en cuenta, es una consecuencia del segundo: El estilo musical de Bobby Brown, que era también el de la Janet Jackson de la época, con su tercer álbum (Control) que fue uno de los pioneros del New Jack Swing (ella de la mano de Jimmy Jam y Terry Lewis) y el cuarto (Rhythm Nation) que empezaba a diluir el estilo con sonidos más innovadores.

El re-diseño del producto Whitney Houston fue a causa de ese nuevo sonido (1986-1989) que era el New Jack Swing (Bobby) y lo que ya estaba realizando Janet un poco más allá de éste (Rhythm Nation). Lifetime no se deja fuera la Whitney deslumbrada por Bobby que acude a Clives Davis a pedirle un cambio de rumbo para su nuevo álbum y éste le propone trabajar con Babyface y "L.A." Reid que "acaban de llegar a ARISTA". Oye, como si fuera una muñequita.

Yo creo, visto su carrera, vista la época, vistas las críticas de entonces, que Whitney se arriesgó a ir a Clives Davis y pedirle que le dejara trabajar con ellos. Probablemente porqué veía qué habían hecho por Bobby y que una de sus máximas competidoras (Janet) estaba metida de lleno en este nuevo estilo y tenía éxito. Whitney no se iba a poner a bailar, pero podía dejar atrás las baladas melosas y los temas pseudo-disco-pop para empezar a hacer un R&B moderno de verdad.

I'm Your Baby Tonight (1990) y su producción deberían de ser una parte importante en cualquier biopic de Whitney y no un par de escenas sobre sus ganas de hacer un álbum como ése y otra grabando uno de sus temas. No ponerlo en contexto debidamente es UN puto CRIMEN, dejarse fuera a Babyface, "L.A." Reid, Luther Vandross y Stevie Wonder, mostrarnos cómo Whitney también tomó las riendas de dicho álbum y plantar cara a las críticas que dijeron que su acercamiento a un estilo más Urban era "superficial", con un buen guión, debidamente contrastado con sus testigos (oye, que los demás siguen vivos), creo que sería de las cosas sanas de mostrar, por no decir importantes para entender una parte MUY IMPORTANTE del R&B de inicios (y mediados) de los 90 del siglo XX.

El álbum le costó a Whitney un éxito un tanto "menor" a los dos anteriores (menos números 1, etc.), pero no dejó de ser un éxito, producir hit singles como I'm Your Baby Tonight (#1), All The Man That I Need (#1), Miracle (#9), My Name Is Not Susan (top20), I Belong To You (top10) y We Didn't Know a dúo con Stevie Wonder (top20). Fue arriesgado, pero la acercó a los artistas de R&B de la década que estaban a punto de liderar un ascenso de este nuevo estilo y la hizo una artista más "real" y "accesible", además de darle una versatilidad vocal que los temas de sus anteriores álbumes no le permitían tener. 

Aunque estamos ante el último álbum de estudio durante un largo período de tiempo para la artista, I'm Your Baby Tonight la dejó en una posición como cantante que luego retomaría sin problemas: Diva del R&B con alcance mainstream.

La Whitney de Hollywood

Whitney se casa con Bobby en 1992, tras una complicada relación (tenía hijas con otras mujeres, no era santo de la devoción de la familia de Whitney...) y tiene a su única hija: Bobbi Kristina. Es una época en la que Brown ya empieza a tener problemas con la ley y causa altercados de vez en cuando. Seguramente, debido a que ya empezaba a tener una gran adicción al crack. No es que lo sepa, es que el cambio de década 80/90 fue criminal para muchos afro-americanos con su adicción al crack. No hay peli de pandilleros de la época que no trate el tema, tampoco las pelis de polis y mafiosos en la que salen camellos en ghettos. Cabe señalar que lo que siempre hizo creer a la prensa (y amigos) sobre Bobby enganchando a Whitney al crack, fue porqué el crack es una droga que se asocia a las clases obreras (y pobres), a los ghettos. Bobby provenía de una familia humilde, Whitney no. Bobby seguía comportándose como un pandillero, Whitney no. Whitney, no cabe duda, tenía adicción a la cocaína (droga asociada a las clases altas), Bobby, probablemente empezó con cosas más "inofensivas" pero de aquí a venir a decir en su biopic que fue todo culpa de Whitney... no sé, permitid que dude.

Pero, a pesar de los problemas (que estuvieron desde el principio de su matrimonio), este es el momento en el que Whitney decide aceptar una de las miles de ofertas que le llegaban para hacer películas y protagonizar The Bodyguard con, el entonces actor del momento, Kevin Costner.

Parece mentira que el biopic de Lifetime trate este hecho como una mera anécdota, mientras pone su foco en los primeros problemas de Bobby con la ley y cierto tiroteo en el que se vio envuelto (y donde murió el novio de su hermana).

Es una época importante, a pesar de no ser celebrada como actriz, porque sus películas tuvieron éxito comercial y porque fueron el motivo que la alejó de lanzar álbumes originales de estudio durante mucho tiempo.
En vez de éso, Whitney siguió ganando dinero con su música y creando hits con las bandas sonoras de sus películas.

No ver el hit en el que se convirtió I Will Always Love You (tema principal de The Bodyguard) es otro maldito CRIMEN. Es uno de sus temas más celebrados e icónicos y olvidarse de explicar cómo se llegó a elegir este tema (en la película se medio-explica, la The Bodyguard) y que fue increíble que lograra convertir un himno que ya había sido un éxito de una leyenda del Country (Dolly Parton), que la mantuvo en las listas de ventas de medio mundo y le permitió ascender a DIVA a pesar de no ser de ningún álbum de estudio, es un SACRILEGIO.

David Foster fue el encargado de adaptar esta balada Country a un sonido R&B que pudiera ser mainstream y convertirla en un éxito mundial (es además el single con más ventas de una cantante femenina).

(y para que conste. YO SÍ SOY FAN DE LA SEÑORA PARTON Y PREFIERO SU VERSIÓN CIENMILMILLONES DE VECES).
No sin más, que veamos como relleno a los demás temas que compusieron esta banda sonora en forma de interpretación durante uno de sus tours, es otra GRAN CAGADA. El álbum ganó tres Grammy en 1994, uno de ellos el de álbum del año; tuvo otros dos hit singles: I'm Every Woman -que se promocionó como una celebración a la figura de Chaka Khan, la artista de quién es la canción original- y I Have Nothing, otro de los temas preferidos de cualquier "wannabe" a la hora de ir a concursos de talentos y similares. Volviendo a la versión del tema de Chaka Khan (que volvió a cobrar protagonismo con el especial Divas Live'99, en el que cantó a dueto con ésta), el tele-film de Lifetime nos muestra a Whitney cantando el tema en tours mientras va chillando "Chaka Khan" como si fuera gilipollas y quitando todo sentido y contexto al hecho en sí (que ella vaya diciendo "Chaka Khan"). Podríamos haber visto, en su lugar, como se realizó el vídeo, en el que Whitney quiso compartir pantalla con su madre Cissy, Valerie Simpson (quién formaba un dúo con su marido y es compositora de esta canción), Martha Wash (de The Wheather Girls, sí, las de It's Raining Man) y, por supuesto, Chaka Khan, a quiénes rendía tributo por haber mantenido la estela de la música R&B durante los años 70 y por ser sus influencias. Además, en el vídeo salía el grupo TLC, quiénes probablemente fueron invitadas con fines promocionales (estaban empezando su carrera en el sello de Whitney) y no es un hecho aislado, pues otro aspecto importante de la vida y carrera de la señora Houston fue su afán por acoger a los nuevos talentos -especialmente las mujeres-, y ayudarlas en todo lo posible. Esto no se lo puede negar nadie, pues lo han admitido la gran mayoría de estos talentos que en su día se vieron arropados por ella. Y ES POR ESO QUE SU MUERTE FUE TAN LAMENTADA POR TODA ESTA COMUNIDAD DE ARTISTAS.

Mirad qué largo párrafo le he dedicado a este single, como para dejarlo como un tema de relleno ¬¬
En una nota todavía más trágica: Whitney estaba preñada en el vídeo de este tema, de Bobbi Kristina (quién lamentablemente falleció este 2015).

Deberíamos añadir, para terminar este sub-apartado, que el tour del álbum The Bodyguard, la llevó por primera vez a Sur-África, que ya había eliminado el apartheid y tenía a Nelson Mandela como recién-elegido nuevo presidente del país. Whitney fue la primera artista de un sello Major en visitar el país con un tour.

Sin ser una nota menor, la parte de Hollywood debería seguir (y terminar) con sus hazañas realizadas entre 1995 y 1997.

Durante esta época, Whitney realizó las películas Waiting To Exhale y The Preacher's Wife, en una época en la que el cine afro-americano empezaba a tomar una forma más comercial y variada, como contraste con el cine Blaxploitation. Aquí empezaron a tomar relevancia las bandas sonoras de las películas orientadas a una audiencia afro-americana que se realizaban con actores y actrices negros y con temáticas que atrajeran a este sector de la población pero que pudieran ser distribuidas a otras audiencias sin problemas. 

Whitney trabajó en la primera película (Waiting to Exhale) con las actrices afro-americanas que estaban entonces en auge: Angela Basset (por su interpretación de la madre de los Jackson y la de Tina Turner en su biopic, mucho antes de convertirse de la responsable de la bazofia emitida por Lifetime), Loretta Devine (era una actriz recurrente de varias series de televisión) y Lela Rochon (otra actriz recurrente en series) y en la segunda (The Preacher's Wife) trabajó con Denzel Washington (y creo que sobran más comentarios).

La importancia de la banda sonora de Waiting to Exhale es, quizás, mayor a la de The Preacher's Wife por el mero hecho de que Babyface (productor de este álbum) quería que fuera íntegramente grabado por Whitney pero ella no aceptó y alegó que quería que el álbum fuera representativo de mujeres con talento vocal único. Y aquí tenemos otro hecho diferencial que convertía a Whitney en una visionaria de la música además de alguien que supo compartir su éxito con las demás y supo la importancia que tenía usar su fama para dar fuerza al resto de mujeres de la industria.

Waiting to Exhale es otro icono del R&B de su época (el disco) porqué ayudó a promocionar a un nivel internacional a artistas femeninas de ese nicho de mercado que puede llegar a ser el R&B. Como tenía la cabeza visible de Whitney, los países que no eran afines a promocionar el R&B a un nivel general, se atrevieron a colar los demás singles de dicho álbum y, gracias a éste, algunos pudimos conocer a nuevas voces (y caras) en una época en la que descubríamos nueva música a base de aventurarnos en las tiendas de discos especializados a gastarnos los ahorros en discos juzgándolos por sus portadas (la vida sin Internet era dura, amigos).

La susodicha banda sonora contaba ni más ni menos que con los siguientes nombres: 

1. Toni Braxton (de quién se promocionó Let It Flow)
2. TLC
3. Brandy (de quién se promocionó Sittin' Up In My Room)
4. Aretha Franklin (de quién se promocionó It Hurts Like Hell)
5. Chaka Khan
6. Faith Evans
7. SWV
8. Patti LaBelle
9. Mary J Blige (de quién se promocionó Not Gon' Cry)
10. CeCe Winans (quién grabó el tema Count On Me con Whitney, que se lanzó como single)

Y todas ellas son nombres que han sido importantes en la historia del R&B. Whitney, además del tema con CeCe Winans, abrió y cerró la tanda de singles promocionales con los temas Exhale (Shoop Shoop) (1995, debutó en el #1 del Billboard) y Why Does It Hurt So Bad (1996, un éxito menor). Los temas de TLC (This Is How It Works), Chaka Khan (My Funny Valentine) y Faith Evans (Kissing You) recibieron bastante promoción en las radios a pesar de no haberse lanzado como singles.

The Preacher's Wife fue un movimiento discográfico hacia el gospel que le salió bien a Whitney, pero además supuso sus primeras buenas críticas como actriz. 

Con estas dos películas, Whitney se había involucrado a nivel de producción, en 1995 su productora cinematográfica contrató a Debrah Martin Chase (había llevado la productora de Denzel Washington) y  en 1997 cambió su nombre por Brown House Productions.

Es por esta época que la productora adquiere los derechos de Sparkle, aunque el proyecto tardaría en despegar, es algo que debería de aparecer en un biopic de verdad.

La época de Whitney con sus primeras incursiones en Hollywood, debería cerrarse con la primera producción de la renombrada Brown House Productions para la televisión: la adaptación de Cinderella de Rodgers y Hammerstein (un clásico de los musicales).
Este trabajo de la productora cinematográfica de Whitney fue un referente para muchos adolescentes por su carácter multi-cultural y cumplir con el requisito marcado por dicha productora de mostrar a la comunidad afro-americana de modo positivo y con aspectos de su vida diaria que no se solían mostrar antes en el cine.

La misma Whitney había rechazado el papel en 1993, pero al retomar el proyecto como productora, se posicionó como hada madrina y le cedió el protagonismo a la joven Brandy, quién se benefició mucho de esta película para televisión, pues terminó de lanzar su carrera como estrella modelo para los adolescentes y abrió las puertas para muchas chicas negras de su edad, además de ser un modelo  a seguir que no tenían en la sociedad afro-americana (venía de protagonizar su propia sitcom orientada a un público adolescente, Moesha, y fue la primera artista negra en tener su propia versión de la muñeca Barbie).

No es que Whitney no hiciera más cosas durante estos años (tours, recibir premios, conciertos homenaje...) pero yo cerraría este apartado aquí, pues es lo que realmente la hizo relevante como artista, como modelo a seguir y como referente para las generaciones que vinieron detrás de ella.



De vuelta a la música

Este es un apartado corto. El centro de toda esta parte, en cualquier biopic que se pudiera realizar de ella, es su regreso a la música original y no de bandas sonoras con el álbum My Love Is Your Love.

Pensaréis que es poco material para un capítulo a parte, pero si colocamos este álbum en su contexto histórico, tenemos los minutos necesarios para justificar que se explique al detalle la realización de esta obra de arte.

El álbum se lanzó en 1998.

Inicialmente, Whitney iba a hacer lo que toda DIVA apoltronada hace en su momento y lanzar un Grandes Éxitos con apenas un par de nuevos temas. Exigencias de cualquier guión discográfico, necesario para una ARISTA que estaba en pleno apogeo pero a las puertas de su declive (aunque no lo sabían entonces). Era necesario meter a Whitney de nuevo en el mapa de los lanzamientos discográficos que no fueran bandas sonoras de películas.

Pero oye tú, Whitney se metió al estudio a grabar temas de relleno en el peor momento para los temas de relleno del R&B. Porque Whitney se había metido en el agujero del R&B moderno con su tercer álbum y no había salido más que para The Bodyguard (un álbum con influencias R&B, pero de corte Pop), y seguía llevando la bandera de lo negro con sus bandas sonoras.
En 1998 el R&B cobró nueva forma, tomó todo lo que se había creado durante esa resaca del New Jack Swing y del "New School" de la era del Hip-Hop y evolucionó a algo híbrido, algo que fusionaba Soul, Hip-Hop, Rhythm'n'Blues clásico y Pop, y grandes nombres como Mary J Blige, TLC, EnVogue, Destiny's Child, Usher, Janet Jackson, Ginuwine, Aaliyah, The Fugees, The Next, Toni Braxton, Brandy, Monica, R.Kelly y un gran etcétera habían contribuido a ese nuevo sonido. No querría menospreciar a nadie ni a ninguna joya de la época, pero para que os hagáis una idea de qué época era, os soltaré algunos de los álbumes lanzados entre 1997 y 1998 (y promocionados durante 1997, 1998 y 1999):

• Janet lanzó The Velvet Rope en 1997.
• Mary J Blige lanzó Share My World en 1997 (sí, había roto su relación de cantante-productor con Puff Daddy, pero fue uno de sus álbumes referentes con hits como Love Is All We Need, Share My World, e incluía el Not Gon' Cry de la peli de Whitney).
• R.Kelly lanzó R en 1998 (se considera su álbum más ambicioso de toda su carrera).
• Lauryn Hill lanzó The Miseducation of Lauryn Hill en 1998.
• Brandy lanzó Never Say Never en 1998.
• Usher lanzó My Way en 1997.
• Destiny's Child debutaron con Destiny's Child en 1998.

En My Love Is Your Love, Whitney fue producida por algunos de los responsables de que el sonido R&B contemporáneo hubiera tomado forma propia: Rodney Jerkins, Wyclef Jean (The Fugees) y Missy Elliot.

El álbum fue tan bueno que se promocionaron singles del 1998 al 2000 y, aunque se podría mostrar también la realización de su Whitney: The Greatest Hits (porque contenía remezlcas con artistas más mainstream del momento como Enrique Iglesias o George Michael, entre otras cosas), yo no dejaría de poner el foco en ese álbum y el hecho de que Whitney supo hacer la transición de estrella ochentera a DIVA del R&B y del Pop de finales de los 90 e inicios de los 2000. Sin omitir detalles de sus creciente adicción al crack y los problemas con su marido (fue la época en la que los abusos por parte de éste se agravaron) y que nos llevarían a la siguiente parte.

Al álbum, va completamente ligado el éxito de la banda sonora de la película animada The Prince of Egypt en el que realizó un dueto con su "rival" Mariah Carey (que tuvo su punto culminante en la gala de los Oscars en la que interpretaron el tema en directo en una gran batalla de gorgoritos). No estaría de más mostrar su relación con ella, con quién demostró tener una gran amistad cuando más tarde Whitney cayó en el pozo de las drogas del todo. El tema When You Believe, fue uno de los singles de su álbum My Love Is Your Love. Los demás singles: Heartbreak Hotel (con Faith Evans y Kelly Price), It's Not Right but it's OK (que le ganó otro Grammy), My Love Is Your Love y I Learned from The Best. Todos fueron temas representativos del R&B del momento además de hits.

La etapa de este álbum (y el Grandes Éxitos) no puede cerrarse sin mostrar el exitoso especial del canal VH1 con la gala Diva's Live'99 (que se promocionó luego en formato disco y DVD), en la que por primera vez pudimos ver y escuchar a pesos pesados del R&B y el Pop como Brandy, Mary J. Blige, Tina Turner y Cher. La gala se celebró tras el éxito de la que se realizó en 1998 con Aretha Franklin, Mariah Carey, Celine Dion, Gloria Stefan y Shania Twain, con Carole King de invitada especial; estos conciertos se realizaron anualmente de forma in-interrumpida hasta el año 2004 y regresaron en 2009 (en 2012, se usó la gala como homenaje a Donna Summers y Whitney Houston, quiénes ya habían fallecido).

El declive

Se me hace difícil meter todo lo que va del 2000 al 2012 en un mismo saco, pero hay que ser realista. Durante esa década, Whitney se metió en un pozo y nunca salió, aunque nos quiso hacer creer que sí varias veces.

No quiero alargarme demasiado, es tarde y debo rellenaros ésto de vídeos... pero si hubiera un biopic de ella, aquí es dónde el problema con las drogas y su matrimonio que -hasta entonces- debería ser una sub-trama muy secundaria que se viera como pequeños detalles, ahora debería ser el foco.

Lamentablemente, aunque su regreso con el álbum Just Whitney (2002) le salió más o menos bien, todo era siempre un tratar de callar la boca  a la prensa sensacionalista que se frotaba las manos cada vez que ella y su marido les servían un escándalo en bandeja. Podéis leer en la wikipedia como fue todo este período, yo os lo diré así:

Whitney había caído del todo a nivel personal y como artista había empezado a crear problemas, su sello le había renovado el contrato y era uno millonario, así que les urgía que la vaca les diera leche (y pronto). Just Whitney tenía toda la pinta de ser un disco forzado para que ella siguiera en el candelero musical, usaron su primer single Whatchulookinat como respuesta a los papparazzi y todos los críticos con ella, pero la verdad no se podía esconder. Whitney usó grandes productores del momento, como no, para el álbum: "L.A." Reid, Babyface, Charlie "CSUN" Bereal, Gordon Chambers, Kenyn Bereal, Kevin Briggs, Missy Elliot, Muhammad2G, Ricky Minor, Rob Fusari, Ted Bishop, Troy Taylor, incluso su marido Bobby Brown. 

A pesar de no alcanzar números 1 en las listas generales, el álbum obtuvo un récord de ventas, superando a sus anteriores lanzamientos en ese aspecto. Pero Whitney ya no era ella. Los temas eran buenos, pero cuando la sacaban a promocionar, se veía lo drogada que estaba y daba hasta lástima de ver. Recuerdo que la vi en los EMA de la MTV que se celebraron en Barcelona en 2002 y le comenté a un amigo que creía que la palmaría pronto. Que además de drogada, le veía el físico muy jodido.

Realmente, aquí es dónde desaparece del mapa musical hasta 2006 (hizo especiales navideños y polladas sin relevancia), cuando se divorció de Bobby Brown y regresó supuestamente rehabilitada pero con unas secuelas físicas y vocales bastante notables.

Aún en su peor momento como artista, logró debutar su álbum I Look To You (2009) en el número 1 del Billboard. Aún siendo una sombra de lo que era, siguió ofreciendo material de primera calidad (aunque ya no podía promocionarlo al mismo nivel vocal). 

Pero, ciertamente, si yo realizaea su biopic, aquí dejaría claro que ella ya no era la misma y me centraría rápido en explicar como al final logró realizar el proyecto de Sparkle.

Habría colado antes que ella quería hacerlo con Aaliyah de protagonista, pero tuvo que abortar al morir ella en 2001 en ese trágico accidente aéreo. Pero ya luego pasaría de los otros intentos (se dijo que luego se lo quería proponer a Raven-Syomoné en 2005, que es otro gran referente para las adolescentes afro-americanas de entonces) a la producción real de la peli con Jordin Sparks como protagonista, para que viéramos cómo cambió el mundo de la música con la llegada de concursos como American Idol (y que afectó al R&B).

Por suerte, Whitney se saltó la crisis del mundo discográfico que melló de lleno al R&B de mediados de los 2000 y se cargó la carrera emergente de muchos y la casi-consolidada de otros. Pero Whitney encajaría aquí a la perfección con la temática de los éxitos salidos del American Idol, pues otra peli que se dijo que le habían ofrecido protagonizar (en el papel de Deena) es Dreamgirls, y todos sabemos que el éxito cinematográfico del 2006 contó con una de las chicas salidas del concurso: Jennifer Hudson. Si os digo que la temática de Sparkle es una versión blaxploitation de lo que es Dreamgirls, los cabos quedan atados del todo. 

Uno de mis temas preferidos de la película, en su versión de 2012. El tema fue también regrabado en los 90 por el grupo EnVogue, junto a otro de los hits de esta película original de 1976. Aquí podéis ver el original, aunque a nivel discográfico, Aretha Franklin fue la encargada de promocionar este single de la peli del 1976.

Sparkle de 1976

Yo creo necesario ver los cambios de ambientación que Whitney realizó en su versión de Sparkle, que la hacían más cercana al Dreamgirls lanzado en 2006, en contraposición a su adorada versión (original) protagonizada por Irene Cara. Hay un cambio sustancial de las épocas que retratan los dos Sparkle: La de Irene Cara nos retrata los grupos que protagonizaron la ola de finales de los 1950 (era Spector) y que terminó con la explosión de los que lanzó la Motown en sus primeros años (como Dreamgirls, está inspirada por la trayectoria de The Supremes). La versión producida por Whitney está ambientada en la era post-ascensión de la Motown, en un Detroit que entra en decadencia, cuando Los Ángeles empezó a ser el foco de la industria discográfica y sellos como Columbia Records (que sale en la peli) empezaron a tomar importancia (estamos en la segunda mitad de los 60).

Sparke de 2012

Como podéis comprobar, aunque la película de Whitney tuvo críticas buenas y malas, recaudó bastante dinero y fue el testamento cinematográfico de la cantante y actriz (y productora) quién dedicó parte de su vida a llevar este proyecto a la realidad. Además ilustra otra parte de la historia del R&B, convirtiéndose en algo que merece la pena incluir en cualquier película que quiera contar la historia de Whitney Houston.

Sparkle de 1976

Con este último apunte, concluyo mi entrada. Espero que os hayáis hecho una idea de porqué me irrité tanto al ver el biopic del Lifetime, pero además que hayáis comprendido el porqué hay cosas que sí vale la pena de explicar, el porqué Whitney se merecería un buen biopic.